F. Concato/F. Bosso/J. O. Mazzariello: Non Smetto Di Ascoltarti (Warner Music)

Cover_Non_Smetto_Di_AscoltartiSe la canzone più popolare di Fabio Concato è Domenica Bestiale, probabilmente è anche quella che meno lo rappresenta dal punto di vista strettamente musicale. Germogliato da un humus artistico fatto di jazz, cabaret, musica d’autore e un pizzico di lirica (i nonni erano cantanti d’opera), con i suoi dischi Concato ci ha fatto sorridere, pensare, ballare, commuovere, innamorare. Quando lavoravo alla radio, mi piaceva definirlo impropriamente il James Taylor italiano, perché ci sa fare parecchio con la chitarra acustica e con pochi elementi, in tre minuti, mette assieme dei capolavori di eleganza, raffinatezza, poesia. E, come il cantautore californiano, nasconde dei segreti. Così come dal vivo James Taylor sfodera una sfavillante anima rock-blues, anche Concato fuori delle ristrettezze imposte dalle leggi, scritte e no, della discografia, da sfogo alla sua indole jazz, perché lui è fondamentalmente un cantante jazz, come lo erano Billie Holiday, Carmen McRae e  il Frank Sinatra dei tempi d’oro, che sapevano planare sulla melodia, seguirne il filo, ma poi improvvisamente scartare, impennare, scendere in picchiata o librarsi alto in volo per poi riafferrarne la traiettoria e portarla in fondo con un ultimo guizzo e una strizzata d’occhio allo spettatore incantato.
Ora, questa abilità, frutto della passione di una vita – perché il jazz non c’è nei manuali, se non lo ascolti, non saprai mai come suonarlo – è finalmente anche su disco.
Grazie a uno stretto rapporto di amicizia umana e musicale con Fabrizio Bosso, tra i più talentuosi trombettisti europei, ecco che l’essenza jazz del canto di Concato è emersa a tutto tondo, mentre prima appariva solo in filigrana.
Anticipato e sostanzialmente favorito da un lungo tour in trio (con loro l’ottimo pianista anglo-salernitano Julian Oliver Mazzariello) tuttora in corso, ecco finalmente l’album che suggella il sodalizio: Non Smetto Di Ascoltarti è una raccolta di grandi canzoni italiane, tra le più belle mai scritte, rilette con uno sguardo jazz, ma non necessariamente jazzificate: Nessuno Al Mondo, Io Che Amo Solo Te, Anna Verrà, Scrivimi (una gemma del troppo trascurato Nino Buonocore), Diamante, sono ballad che, in quanto a ricercatezza melodica e intensità poetica, nulla hanno da invidiare al song-book americano che ha costituito per quasi un secolo la spina dorsale del repertorio jazz internazionale. Un brano d’epoca (1939) come Mille Lire Al Mese aveva già in sé i geni del jazz grazie all’arrangiamento di Pippo Barzizza, così come L’Armando di Jannacci avrebbe potuta scriverla Fats Waller. Fa forse eccezione La Casa In Riva Al Mare, che ha subito una rielaborazione più profonda, ma Dalla, jazzista di razza, non se ne avrebbe avuto a male; e L’arcobaleno, un successo di Adriano Celentano scritto da Mogol e Gianni Bella, cullata al pianoforte da un’habanera cubana.
In quanto alle canzoni di Concato, a cominciare da Canto, dichiarazione di intenti inequivocabile, per proseguire con alcuni dei capitoli più significativi del suo fare musica come Rosalina, 051/222525, Non Smetto Di Aspettarti e la stessa Domenica, non sono che riconferme di una vena ricca di suggestioni messa ancora più in rilievo dall’essenzialità dell’organico. Grande assente quella Gigi, dedicata al padre, che aveva già trovato posto nell’album Tandem di Bosso e Mazzariello del 2014 e che sarebbe stata magnificamente anche qui.
Concato, Bosso e Mazzariello saranno in concerto, accompagnati dalla Filarmonica Arturo Toscanini, diretta da Stefano Fonzi, il 16 giugno a Parma all’Auditorium Paganini per la rassegna Stelle Vaganti, il 17 giugno a Sassuolo (MO) e il 21 giugno a Sordevolo (BI) all’Anfiteatro Giovanni Paolo II.

Giulio Cancelliere

Il giardino nell’arte al cinema

Unknown-3Se l’allestimento di un giardino è stato nella Storia – da Babilonia a Versailles – simbolo di potenza, eleganza, purezza, non è un caso che innumerevoli pittori, soprattutto negli ultimi due secoli, si siano dedicati a quest’arte.
Probabilmente il più famoso è stato Monet, che realizzò nella sua residenza di Giverny un vero capolavoro di colori, accostando essenze originali, evocando atmosfere orientali, trattando la Natura come una tavolozza che ha ispirato centinaia di quadri negli ultimi tre decenni della sua lunga vita. Ma anche altri artisti condividevano la stessa passione, ognuno a suo modo: Libermann in senso geometrico, Bonnard seguendo un istinto più selvaggio, Sorolla improvvisando, Nolde innestandovi un carattere letterario e ancora Matisse, Renoir, Kandinskij, Pissarro, Murnau, Vernonnet.
Una passione testimoniata nella grande mostra presentata alla Royal Academy of Arts di Londra dentro la quale ci accompagna questo film, Da Monet a Matisse. L’arte di dipingere il giardino moderno, che racconta in sostanza una storia d’amore tra Arte e Natura, coinvolgendo pittori di indole molto diversa, dall’Impressionismo alle Avanguardie, dai poeti agli sperimentatori più audaci.
È un accesso privilegiato alle opere che questi magnifici giardini hanno ispirato e che sono state raccolte nella mostra londinese, per narrare il ritorno alla natura che caratterizzò il periodo a cavallo tra Otto e Novecento: la ricerca di un’oasi di pace, in fuga dal rumore e dal caos della vita moderna. La visita dietro le quinte di questi paesaggi, accompagnata dalle nuove intuizioni di esperti internazionali di giardinaggio e critici d’arte, le interviste con famosi artisti moderni, come Lachlan Goudie e Tania Kovats, rivelano come il rapporto tra l’artista e il mondo naturale sia tema di enorme modernità anche nel 21° secolo.
Da Monet a Matisse. L’arte di dipingere il giardino moderno, sarà nelle sale italiane solo il 24 e 25 maggio.
Su http://www.nexodigital.it trovate l’elenco delle sale.
Qui il trailer.

Giulio Cancelliere

Michael Moore invade l’Europa

UnknownEsci dalla visione di questo film e ti dici: ma quanto sono fortunato a vivere qui? E perché non me ne sono mai accorto? E il paragone non è con l’Iraq o la Nigeria, la Corea del Nord o il Sudan, ma con gli Stati Uniti d’America.
Verso la fine del film una manager islandese afferma di fronte alla cinepresa che non vivrebbe negli USA nemmeno se la pagassero, eppure abita in un piccolo posto sperduto nel nord dell’Atlantico in mezzo a ghiaccio e vulcani.
Michael Moore ha girato finalmente un film ottimista, che fornisce qualche speranza alla più grande democrazia del mondo (dopo l’India per numero di abitanti), nonostante la candidatura di Trump e le porcherie che mangiano dall’altra parte dell’oceano.
L’idea è questa: viaggiare per l’Europa, invadere Paesi come Italia, Francia, Germania, Slovenia, Finlandia, Norvegia, Islanda, Portogallo, ma anche Tunisia e raccogliere i fiori di questi Paesi, le idee migliori in termini di sistema scolastico, lavoro, benessere, politiche sociali, diritti civili, uguaglianza, quindi appropriarsene – come fanno gli USA quando invadono un paese straniero e lo depredano delle sue ricchezze – e portarle in America per far stare meglio gli americani. Tutto questo senza usare le forze armate, che costano troppo e da Hiroshima in poi non hanno vinto più una guerra, ma un uomo solo: Michael Moore, che da solo fa per tre.
È chiaro che i fiori vanno raccolti in mezzo alle erbacce, che pure da noi infestano il territorio politico e sociale, ma come fai a spiegare a un americano che in molti Paesi le ferie sono pagate, che il sistema sanitario pubblico è quasi gratuito e per lo più funziona, che il cibo locale è sano e genuino e previene l’obesità, che le donne siedono per ampie quote nei consigli d’amministrazione delle grandi aziende per legge, senza che questi non balzi sulla sedia per l’incredulità? Poi, certo, da noi il tasso di disoccupazione è preoccupante, il problema dell’immigrazione spaventa i governi, abbiamo un passato recente e remoto di genocidi orribili, ma non è molto diverso da ciò che accade nel Nuovo Continente, dove trovare un lavoro è sempre più complicato, hanno costruito muri al confine con il Messico e in quanto a genocidi e schiavismo non hanno da imparare nulla. E allora?
Where To Invade Next, visto in Europa è un film per certi versi consolatorio, ma in America dev’essere devastante. Moore gira con piglio documentaristico, (auto)ironico, mantenendo sempre quello spirito cronachistico e spontaneo che rende frizzante il racconto.
Un appunto gli andrebbe mosso quando parla degli Stati Uniti come il Paese che ha inventato le lotte sindacali o il principio rieducativo della pena carceraria. Ecco, se nel caso del movimento operaio c’è stata probabilmente una contemporaneità di intenti, nel secondo una scorsa al testo più famoso di Cesare Beccaria (1764) gli farebbe bene. Ma anche lui è americano, dopo tutto, è figlio del sistema scolastico a stelle e strisce, che non reputa fondamentali materie come geografia, poesia, storia e quindi tante cose ancora non le sa. Ma viaggia e lavora per impararle.
Where To Invade Next sarà nei cinema nei giorni 9-10-11 maggio.
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Giulio Cancelliere

Leonardo a Milano, il genio al cinema

83EC26CF-E557-4501-A330-C9484EEABCC2Se spesso si abusa della parola genio nei contesti più disparati, dall’arte alla letteratura, dalla scienza allo sport, dallo spettacolo alla politica, parlando di Leonardo da Vinci, il termine non è sprecato.
Leonardo Da Vinci, Il Genio A Milano è il titolo di un docu-film prodotto da RaiCom, Codice Atlantico e Skira Editore, che racconta i diciotto anni del suo primo soggiorno alla corte di Ludovico il Moro tra 1482 e 1500 (in realtà ci fu un successivo periodo milanese più breve al servizio dei francesi, nuovi padroni della città), dopo essersi presentato con una lettera-curriculum al nobile Sforza in cui elencava una serie di progetti artistici, scientifici e ingegneristici da mettere in cantiere nel territorio della signoria.
L’ispirazione per il film prende le mosse dalla favolosa mostra leonardesca che nel 2015 fu ospitata a Palazzo Reale in occasione di Expo e che diventa cornice di parte della narrazione per bocca del curatore Pietro Marani, che ne illustra le opere più significative. A lui si affiancano altri esperti e storici d’arte come Maria Teresa Fiorio, Claudio Giorgione, Richard Schofield, Daniela Pizzagalli, Jacopo Ghilardotti, Vittorio Sgarbi, ognuno col proprio punto di vista e focalizzando l’attenzione su aspetti differenti del genio multiforme dell’artista e scienziato toscano.
Ma per rendere più accattivante il racconto e alleggerirne la dimensione meramente didattica – così come era accaduto per il docu-film dedicato alla Scala – i registi Luca Lucini e Nico Malaspina affidano ad alcuni personaggi dell’epoca rinascimentale, lo stesso Ludovico Il Moro, Bramante, Raffaello, Isabella d’Este, Vincenzo Bandello, Cecilia Gallerani, Francesco Melzi e il Salaì, il compito di raccontare il loro rapporto con Leonardo, aprendo il libro dei ricordi, talvolta agro-dolci e mettendoli in rapporto con le opere che hanno avuto la loro genesi e spesso anche il compimento durante quei quattro favolosi lustri, come i ritratti di Lucrezia Crivelli, Cecilia Gallerani e Isabella d’Este (per quest’ultima fu realizzato solo il disegno preparatorio), il Cenacolo, il Ritratto di Musico e La Vergine delle Rocce, il sistema di chiuse dei navigli e le avveniristiche macchine belliche e no, progettate e quasi mai realizzate, i lavori al Castello Sforzesco e gli allestimenti per le feste del ducato. Agli attori Vincenzo Amato, Paolo Briguglia, Cristiana Capotondi, Alessandro Haber, Giampiero Judica, Edoardo Natoli, Nicola Nocella e Gabriella Pession, si aggiunge la voce fuori campo di Sandro Lombardi, che interpreta Leonardo, il quale non compare mai (una scelta registica alternativa alle consuete rievocazioni che ricorrevano all’ormai antico sceneggiato RAI di Renato Castellani interpretato da Philippe Leroy), ma che si racconta in prima persona.
Leonardo Da Vinci, Il Genio A Milano  è il nuovo capitolo della serie dedicata alla grande arte al cinema che sta riscuotendo un enorme successo in tutta Italia, nonostante la programmazione si riduca ufficialmente a soli tre giorni, ma in contemporanea in 250 sale. Anche le scuole stanno mostrando grande interesse per l’iniziativa, molto più accattivante della vecchia e noiosa videocassetta vista in tv che molti ricordano tristemente.
Sarà al cinema i giorni 2-3 e 4 maggio. Su http://www.nexodigital.it trovate l’elenco delle sale. Qui il trailer.

Giulio Cancelliere

L’Europa allo specchio ottant’anni dopo

Lui_è_tornato_POSTER_100x140Se dovessi scegliere una sola parola per definire questo film opterei per “disturbante”. È così che sono uscito dalla sala di proiezione per la stampa il 20 aprile (peraltro giorno del compleanno di Hitler, ma mi giurano che si sia trattato di una sfortunata coincidenza): disturbato. Lui è Tornato è quasi un docu-film, poiché innesta alcune sequenze riprese in strada con passanti, turisti ed esibizionisti, all’interno di una narrazione di fiction con attori professionisti. La storia è presto detta: in un giorno imprecisato dell’estate 2014, a Berlino, ricompare Adolf Hitler in divisa da nazista e all’età che aveva più o meno nel 1945, probabilmente un po’ più giovane. Nemmeno lui sa come sia finito nel 21° secolo, ma, dopo un momento di sconcerto in cui cerca i vecchi compagni Bormann, Goebbels, Himmler, si adatta presto alla nuova condizione e non ci vuole molto perché diventi la star televisiva di un’emittente d’assalto in cerca di audience. I suoi discorsi populisti trovano terreno fertile in una società sfilacciata e in un sistema consunto, pieno di buchi e difetti in cui sparare nel mucchio si fa sempre centro (l’analisi della qualità dei programmi televisivi è spietata), come fanno certi tribuni furbetti e urticanti che allignano anche qui da noi.
Il problema è che nessuno di costoro lo riconosce come il vero Hitler – e come potrebbero? – pensano che sia un attore che lo impersona, ma le idee che propala sono quelle autentiche del “Mein Kampf” aggiornate alla società odierna in una condizione di decadenza per certi versi non troppo dissimile da quella tra le due guerre mondiali del 20° secolo.
Non è un caso che le uniche due persone che lo riconoscono come l’autentico führer sono prese per pazze e trattate di conseguenza.
Persino le battute violentemente razziste non provocano sconcerto tra il pubblico, (nemmeno tra quello in sala, se devo essere sincero) ma, emblematicamente, l’unico momento in cui la popolarità di Hitler redivivo vacilla è quando viene rivelato un filmato in cui uccide un cucciolo di cane. Tuttavia nemmeno questo scalfisce più di tanto il personaggio che dalla tv passa al cinema e si avvia definitivamente verso la fama, con tanto di sfilata in cabriolet lungo i viali della capitale salutato dalla folla col braccio teso.01_CABRIOTmasucci_riemann_2022
Il regista David Wnendt (Combat Girls, Wetlands) ha scelto di calare l’attore Oliver Masucci nei panni di Hitler anche in situazioni di vita reale – ad esempio alla vigilia della finale dei mondiali di calcio in Germania del 2014 – per vedere l’effetto che avrebbe fatto e il risultato è stato “esaltante”, con la gente che lo acclamava e scattava selfie con lui, lo invitava a bere e a chiacchierare; oppure mandandolo in giro per le campagne e le fabbriche a parlare con i lavoratori e ascoltare i loro problemi o alle manifestazioni dell’ NPD, il partito neonazista tedesco, dove i militanti mostrano sconcerto e incredulità.
Lui è Tornato, tratto dal best seller di Timur Vermes, ci mette davanti allo specchio e ci mostra chi siamo e come viviamo, con chi parliamo e dove stiamo andando. E non è un bello spettacolo.
È un film interessante, oltre che “disturbante”, perché da commedia si trasforma in grottesco – divertente la citazione di La Caduta. Gli Ultimi Giorni Di Hitler ambientata nella redazione dell’emittente invece che nel bunker di Berlino – gli attori sono bravi, a cominciare da Masucci, un Hitler credibile, simpatico e affascinante – come doveva essere il vero Adolf per suscitare tanto consenso ottant’anni fa – girato e montato con perizia, raggiungendo il giusto equilibrio tra fiction e cine-verità, come si diceva una volta: di trecento ottanta ore di girato “dal vero”, solo pochi minuti, ma significativi, sono stati usati nel film. L’unico appunto è quel “fiurer” che ricorre nel doppiaggio, pronunciato all’inglese, che non si può davvero sentire.
Lui è Tornato sarà al cinema solo nei giorni 26-27-28 aprile.
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Giulio Cancelliere

Hitchcock/Truffaut: storia di un incontro epocale che fece scandalo

HitchcockTruffaut_POSTER_100x140_456aprile[1]“Per la prima volta andare al cinema diventava pericoloso”. Così Peter Bogdanovich ricorda la reazione della platea alla visione della scena più truculenta di Psycho: non un urlo, ma una sirena di terrore che continuò a lungo. Eppure di mostri più o meno spaventosi al cinema se ne erano visti già parecchi. Se poi pensiamo che mai si mostra il coltello che entra nella carne, come d’abitudine oggi, e quasi neppure il sangue sulla pelle, ma solo quello che cola diluito nello scarico nell’acqua, abbiamo l’idea di quale maestro della suggestione abbia concepito una simile sequenza di due minuti e mezzo, girata in una settimana con oltre cinquanta inquadrature e ore di posa della povera Janet Leigh sotto il getto della doccia.
Questa e altre storie sono raccolte nel documentario diretto da Kent Jones Hitchcock/Truffaut, storia di un incontro avvenuto nel 1962 durato una settimana tra il regista inglese, ormai adottato da Hollywood e il cineasta francese, poco più che esordiente, ma già più che promettente, (all’epoca Truffaut aveva girato tre lungometraggi, Hitchcock oltre cinquanta), che divenne un libro destinato a trasformarsi in testo fondamentale per chiunque volesse avvicinarsi alla direzione cinematografica. Ne danno testimonianza, oltre al già citato Bogdanovich, Martin Scorsese, David Fincher, Arnaud Desplechin, Kiyoshi Kurosawa, Wes Anderson, James Gray, Olivier Assayas, Richard Linklater e Paul Shrader.
Lo scopo del lungo incontro/intervista era di smentire la nomea che accompagnava da decenni Hitchcock come regista di genere, esperto di mero intrattenimento. In realtà l’autore di La Donna Che Visse Due Volte, Intrigo Internazionale, Marnie, Gli Uccelli, era un maestro di scrittura cinematografica tout-court, tecnica, narrazione, direzione degli attori, anche se li trattava malissimo – “sono come bestiame” soleva affermare – e la sua concezione di cinema, finalmente rivelata esplicitamente, creò un caso internazionale che fece scandalo.
Cinquantaquattro anni dopo, rileggere (il libro è pubblicato da Il Saggiatore) e riascoltare quei dialoghi tra i due registi emoziona ancora ogni vero appassionato di cinema.
Hitchcock/Truffaut sarà al cinema solo i giorni 4-5-6 aprile.
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Giulio Cancelliere

Renoir: oltre l’impressionismo

C’è il Renoir più controverso, discutibile e, forse, frainteso, al centro del film di Phil Grabsky RENOIR. OLTRAGGIO E SEDUZIONE: quello post-impressionista, per certi versi più classico se non “manierista” dell’ultima parte della sua carriera, quando la ricerca si sposta sul colore, la sua trattazione, diluizione, sovrapposizione e i soggetti sono soprattutto i nudi femminili, monumentali, allusivi e innocenti,  che gli valsero critiche feroci di sessismo, anti-femminismo e misoginia. Tuttavia, la collezione della fondazione Barnes di Philadelphia è spettacolare, sia per numero di opere (solo i Renoir sono oltre 180, la più grande raccolta al mondo di questo pittore), sia per qualità ed è visitata da amanti dell’arte provenienti da tutto il mondo.
Il collezionista, Albert Barnes, era un industriale farmaceutico americano che, grazie ad alcuni brevetti, divenne milionario e investì in arte: comprò un gran numero di dipinti impressionisti, soprattutto Renoir (il pittore francese lasciò qualcosa come 7000 quadri), molti dei quali da Paul Durand-Ruel, il mercante d’arte che fece la fortuna dei pittori impressionisti con i suoi acquisti.
Nell’inverno del 1881-1882 Renoir visitò l’Italia: Venezia, forse Firenze, Roma, Napoli, la Calabria, Capri e Palermo. Questo viaggio lasciò una traccia profonda sulla sua arte: da allora Renoir rivolse la propria attenzione a soggetti più atemporali, un’anticipazione delle ricerche che avrebbe portato avanti sino alla morte. Renoir visse sempre all’insegna della semplicità. Fu un artista alla perenne ricerca di rinnovamento, un impressionista capace di sconvolgere le regole della rappresentazione, pur rimanendo un estimatore del classico e della tradizione.
Renoir viene raccontato attraverso le stupende immagini di Phil Grabsky, le testimonianze di critici, galleristi e storici dell’arte, di Matisse e Picasso, ma anche con le parole di Jean Renoir, uno dei figli di Pierre-Auguste, che divenne un grandissimo regista cinematografico e scrisse una preziosa, affettuosa e rivelatrice biografia del padre.
RENOIR. OLTRAGGIO E SEDUZIONE sarà in sale selezionate solo nei giorni 22 e 23 marzo.

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                                                                                               Giulio Cancelliere